A pesar de su corta trayectoria en el tiempo, el concierto que la OST ofrece en honor del “Señor de La Laguna”, nuestro Santísimo Cristo, se perfila como uno de los eventos culturales más importantes del Archipiélago, a un “tiro de piedra” (los laguneros y laguneras conocemos el alcance de esta expresión) de convertirse en uno de los actos tradicionales de las Fiestas y Celebraciones en honor del Crucificado Moreno.

Esta VIII edición tiene para los amantes de la ópera un significado especial, pues veníamos reclamando que este concierto podría ser una puerta abierta para que los laguneros y laguneras se iniciaran en el conocimiento de la música clásica y, porqué no, de la ópera; que empezaran a comprender su significado y a disfrutar con los sentimientos que transmite, con sus sones, compases, áreas,… Porque también la ópera es música, a veces de la mejor calidad, con el añadido de ser también poesía y drama.

En este sentido, la actual edición se presenta novedosa, singular, atrayente e imbuida por esa filosofía “pedagógica” que reclamábamos más arriba. Pensamos que con la selección realizada, se pretende comunicar/transmitir que la ópera no es sólo para especialistas o para nostálgicos; no es exclusiva ni excluyente, porque la ópera es universal y está compuesta para el deleite de todos los hombres y todas las mujeres. Es cierto que el canto operístico no es natural, mas nada en el arte lo es, pues, por definición, “arte” es artificio.

¿Quiere usted venir con nosotros a la ópera? ¿Quiere iniciarse en la ópera? Le invitamos a compartir con nosotros la VIII Edición del Concierto de la OST, enmarcado en los actos populares de las Fiestas y Celebraciones en honor del Stmo. Cristo de La Laguna. Si usted no es aficionado/a a la ópera, le ofrecemos esta breve GUÏA que, a modo de esbozo, le conducirá por el significado, sentimientos y sonoridad de las “piezas” que va a escuchar. La selección (más que acertada) de preludios y áreas se merece, al menos, su atención. Dispóngase a escuchar el que, desde este periódico, consideramos el mejor y más acertado concierto en aras de acercarnos la música clásica y la ópera.

El concierto se abre con la obertura de Guillermo Tell. Gioacchino Rossini (compositor italiano, 1792-1868), al que sus seguidores apodaron “el cisne de Pérgamo”, aludiendo a la ciudad italiana de su nacimiento, es, sin duda alguna, el compositor más destacado de la denominada “ópera bufa” (llamada así en contraposición a la “ópera seria”, porque era para el pueblo, relegada a teatros secundarios y tenía un “final feliz”). Pero no erramos si lo denominamos “el compositor de las oberturas”, pues celebérrimas son las que abren algunas de sus óperas , como “El Barbero de Sevilla” (¿se acuerdan de aquel chiste que lo comparaba con Nerón por aquello de “Tiro-la- lira?), “La Gazza ladra”, “La Cerentola” o “L’italiana en Algieri”. También lo son las oberturas de sus óperas serias, como la de “Guillermo Tell” (estrenada en París, el 2 de agosto de 1829). Se trata de una imponente ópera seria, conmiserada la más romántica de Rossini, de la que escucharemos su fragmento más famoso: su trepidante y triunfal obertura, que suele constituir un brillante inicio para los conciertos orquestales.

Los más entendidos pueden contar que está integrada por un “cantábile” del violoncelo, majestuoso en su suavidad; le sigue un “ranz de voches” a cargo del corno inglés. Se describe sonoramente una tempestad y, finalmente, se establece una evocación vibrante de la lucha, epilogada por el triunfo de la causa (la del héroe nacional suizo Guillermo Tell, que acertó con una flecha la manzana colocada sobre la cabeza de su hijo). Los no iniciado podrán, sin duda, identificarla con la sintonía que anunciaba aquellas carreras de caballos televisadas, allá por la década de los 70.

A continuación escucharemos áreas de tres grandes compositores románticos: Giacomo Puccini (1858-1924), Guiseppe Verdi (1813-191) y George Bizet (1838-1875).

 

 

 

Giacomo Puccini es uno de los más destacados operistas del siglo XX. Sus obras denotan un clima emocional y dramático tan personal como su propia música, destacando su superioridad para presentar la pasión erótica, la sensualidad y la ternura de personajes y situaciones, el sentimiento y la desesperación de los mismos, que impregnan totalmente su música.

De “La Rondine”, comedia lírica en tres actos, se ha seleccionado “Chi il bel sogno di Doretta”, el area del primer acto, de importante lirismo y fuerza melódica. El célebre musicólogo italiano Mosco Carner califica a esta ópera como “La Traviata de los pobres” pues, por ejemplo, el personaje principal, Magda”, es también una cortesana. La diferencia más destacada es el final trágico de la ópera de Verdi.

El concierto continua con otra area de Puccini, “Avete torto” de “Gianni Schicchi”, que tras su estreno en el Metropolitan de Nuevo Cork, en 1918, entró en el mundo de la comedia operística italiana con gran fuerza, ya que contiene unas grandes dosis de comicidad.

Buque insignia de los compositores italianos, la figura de Giuseppe Verdi surca prácticamente toda la historia de la ópera del siglo XIX, adquiriendo una importancia de tal envergadura que todavía hoy es difícil encontrar una temporada de ópera que no incluya algún título suyo.

La obertura de “La forza del destino” sigue siendo el más popular de los pasajes de esta ópera verdiana. Muy notable por su desarrollo y muy rica por su instrumentación, figura como una de las mejores piezas sinfónicas.

 El concierto continúa con un aria de una de las más famosas óperas de este compositor, “Rigoletto”, aún hoy considerada como uno de los títulos esenciales de la historia del género. Desde las primeras notas del tenso preludio, es imposible encontrar en ella un fragmento que no sea conmovedor, o que resulte gratuito teatralmente. En este caso se ha escogido el airoso del duque de Mantua “Ella mi fue rapita” (del tercer acto), en la que, como en el resto de la ópera, hay una perfecta simbiosis de texto y música.

Con “I Vespri Siciliani” termina la participación de Verdi en este concierto. De esta ópera, compuesta por encargo, con motivo de la Exposición Universal de París de 1855, se ha elegido uno de los dos fragmentos más famosos, el bolero que canta Elena, “Mercè dilette amiche”, de penetrante intensidad melódica y sonoridad poética. La obra está basada en un hecho histórico de fines del siglo XIII, conocido como "la masacre de Palermo", cuando el pueblo siciliano se levantó violentamente contra la dominación francesa.

Del compositor francés George Bizet se ha escogido una de sus obras más emblemáticas: “Carmen”, de la que escucharemos el dúo del primer acto “Parle-moi de ma mère”. Destacan, en primer lugar, la excepcional calidad de la instrumentación de Bizet y la caracterización de los personajes, en este caso una pareja navarra convencional. En cualquier caso, el secreto de esta ópera reside en su fuerte componente de “exotismo musical”, al adentrarse, en el siglo XIX, en una España que, por circunstancias históricas había permanecido alejada de la vida europea.

En el ecuador del concierto, un “Intermezzo”. Aunque este término tiene varios significados diferentes en la ópera, en este caso se trata  de un pasaje orquestal que aparece, en medio de un acto o en un entreacto, en las óperas veristas. Suele ser un pasaje instrumental, con carácter de meditación o reflexión sobre acontecimientos relevantes de la trama, entre los más notorios destaca el que vamos a escuchar. El intermezzo de “Cavallería Rusticana” de Pietro Mascagni (1863- 1945), es uno de los momentos más célebres de esta ópera y pretende describir el ánimo de los protagonistas, que acaban condenados a un trágico final. De gran inspiración melódica e intensidad (a pesar de la inmensa delicadeza y suavidad de la melodía), propicia la meditación y parece abstraernos del mundo terrenal. Sin duda alguna, escuchar este intermezzo en el marco de la Plaza de San Francisco, envueltos por la inconmensurable figura del Crucificado Moreno hará crecer en muchos un sentimiento de cercanía. Todo un lujo y una magistral elección.

Tras el intermezzo, tres arias de Puccini, las dos primeras correspondientes a “Turandot”, la que sería su última producción, que empezó a escribir en 1921. Tras el el aria de la princesa china Turandot, “Signore, escolta¡” (una de las más difíciles de la ópera pues exige  a la soprano sobreagudos que, combinados con la capacidad wagneriana que requiere el personaje, la hacen particularmente difícil) .escucharemos el aria, sin lugar a dudas, más conocida de esta ópera, “Nessum dorma¡”. En ella el tenor (Calaf) imagina a la princesa contemplando las estrellas que tiembla de amor y de esperanza, pero también sueña que será el mismo quien le revele su nombre a Turandot con un beso de amor. El aria finaliza tras la breve intervención de un coro femenino, con un fuerte deseo de que llegue el alba, dado que entonces Calaf vencerá; la fuerza melódica y dramática de ese “al alba vinceré” es inconmensurable. Una de las arias preferidas de Pavarotti, al escribir estas páginas no podemos menos que tener un emotivo recuerdo para este gran tenor, uno de los más grandes de la ópera y aún más en su humanidad.

La presencia de Puccini en el concierto termina con un fragmento de “La Bohéme”, una de sus más celebérrimas, que desde su estreno ha seguido una imparable carrera triunfal y que junto a “La Travista”, de Verdi, son las más representadas del siglo XX. Escucharemos el gran dúo “Eh¡ Rodolfo¡ O soave fanciulla”, que finaliza el primer acto. Aunque breve, es de gran intensidad.

 

Para finalizar el concierto, secuencias de valses de “Der Rosenkavalier” (“El caballero de la rosa), del compositor alemán Richard Strauss (1864- 1949). De gran riqueza cromática, en estas secuencias de valses Strauss recrea el mundo del siglo XVIII, aunque con su característica modernidad, que refleja perfectamente la Viena de su época.

Hasta aquí, un breve esbozo de un concierto que se prevé muy ameno, de gran calidad sinfónica y lírica y que, sin duda alguna, será memorable. No dudamos que haya “bises”, . probablemente menos de los que se soliciten.